Ant-Man - L'art de faire mouche

Dans la liste désormais pléthorique des films des studios Marvel, c'est celui que personne n'attendait. "Une fois encore." est-on néanmoins aussitôt tenté d'ajouter. Il y a un an, la surprise était venue des Gardiens de la galaxie - un groupe de bras cassés, à l'époque inconnus non seulement du grand public mais même de la majorité des lecteurs de comics... et dont le membre le plus emblématique est un raton laveur parlant et sociopathe. Non exempt de défauts, le film de James Gunn emportait néanmoins la mise en faisant résolument le choix du divertissement décontracté, lorgnant éhontément vers les blockbusters des années 80 et se positionnant aux antipodes de l'approche sombre et "why so serious?" prévalant côté Warner/DC, tout en démontant assez subtilement au passage les clichés attendus du "récit d'origine" ¹. Bilan : un jackpot au box-office, et une bascule réussie pour le désormais fameux MCU vers la dimension "cosmique" de l'univers de l'éditeur, indispensable à la poursuite des opérations sur grand écran dans les années à venir. Ant-Man, par bien des aspects, semblait pourtant partir de plus loin, et avec des objectifs moins clairs.

Si, sous leur forme moderne en tout cas, les Gardiens de la galaxie sont une création récente, Ant-Man, au contraire - apparu en 1959 sous la plume et les pinceaux de Stan Lee et Jack Kirby en personne, membre fondateur de la première mouture des Avengers en 1963 -, est un personnage établi de longue date dans le paysage Marvel... mais dans le fond du paysage, pour ainsi dire. Une situation au final presque pire que celle de ses devanciers sur grand écran de l'été dernier. Parce qu'un super-héros qui change de taille et communique télépathiquement avec les fourmis ne peut que laisser dubitatif (pour le dire poliment) tous les partisans d'une approche plus "adulte" et "réaliste" du genre. Parce qu'en tant que scientifique et qu'inventeur, Hank Pym, son premier et plus célèbre alter-ego au civil, fait figure de troisième roue du carrosse dans l'univers Marvel quand Reed Richards et Tony Stark sont occupés ailleurs. Parce que faute d'aucun récit véritablement majeur dont il soit le héros, l'évènement marquant que la plupart des lecteurs de comics retiennent de la carrière de Pym est qu'il a battu sa femme Janet - alias la super-héroïne la Guêpe (the Wasp) - dans un moment d'égarement du scénariste Bill Shooter au début des années 80, flétrissure que le personnage se traîne depuis comme une croix. Et, enfin, parce que Scott Lang, successeur de Pym sous le costume d'Ant-Man, n'a, jusqu'à ce jour, réussi qu'à être encore moins populaire que son prédécesseur ².

Les choses s'annonçaient donc difficiles "sur le papier", et comme si cela ne suffisait pas, les interrogations se sont accumulées quant aux modalités de l'adaptation, et, incidemment, à sa place dans le développement de l'Univers Cinématographique Marvel.

Pourquoi clore la "phase 2" de celui-ci sur ce projet a priori incongru et dépourvu d'enjeux, plutôt que sur le très attendu et "massif" deuxième volet des Avengers : Age of Ultron - telle fut le première question à se poser. Puis, plus grave, vint le bad buzz consécutif à l'annonce du départ d'Edgar Wright, remplacé à la réalisation par l'anonyme yes-man Peyton Reed. Wright, connu notamment pour son excellente "comédie romantique avec des zombies" Shaun of the Dead, était l'initiateur de cette adaptation et portait le projet à bout de bras depuis 2006. Lorsqu'il claqua la porte, affirmant ne plus reconnaître son œuvre au fil des réécritures du scénario, la communauté geek et les cercles de bon ton cinéphile se retrouvèrent à marcher main dans la main sur les autoroutes de l'information, pour déplorer de concert la façon dont les studios Marvel se détournaient des "auteurs" au profit de simples "faiseurs" supposément sans âme, livrant des produits calibrés sans aspérité ni identité ³.

Enfin, les différentes bandes-annonces délivrées depuis janvier par les studios donnaient assez nettement l'impression que ceux-ci ne savaient pas trop comment vendre un tel produit... Bref, sans aller jusqu'à crier qu'on courait à la catastrophe, les raisons ne manquaient pas d'attendre avec circonspection, ou, tout simplement, désintérêt, ce nouveau film.

Lequel - on me signale dans l'oreillette qu'il serait peut-être temps de le dire - s'avère, au final, une réussite de bout en bout, et même, serais-je fortement tenté de déclarer, tout simplement l'une des tous meilleures adaptations à ce jour sorties des studios Marvel. Soyons clairs : il ne s'agit ici nullement de crier au chef-d'œuvre du Septième Art, Peyton Reed ne s'est pas révélé brusquement un digne émule de Stanley Kubrick. On est ici, à nouveau, dans le cadre d'un blockbuster de pur divertissement, sans aucune autre ambition - mais à cette nuance après que dans son genre, le résultat cette fois flirte avec le sans faute. Comment ses créateurs en sont-ils arrivés là ?

D'abord en assumant sans rougir le postulat what the fuck du projet. Les bandes-annonces déjà citées s'assaisonnaient d'un second degré dépréciatif ("Il est trop tard pour changer le nom ?", "Je sais... ce n'est pas moi qui ai choisi..."), aux allures de tentative forcée de mettre les rieurs de son côté. Ces scènes sont tout simplement absentes du montage final. Dans un Univers Cinématographique Marvel où les éléments les plus bizarres de sa source de papier se voient de plus en plus offrir droit de cité, le concept d'Ant-Man n'est, pour ainsi dire, à prendre ni moins... ni plus au sérieux que le reste. Sans fausse honte, le film déroule de bout en bout, et de façon réjouissante, son programme d'homme qui court avec les fourmis ou livre de titanesques batailles à coups de maquette de locomotive.

En dépit du départ d'Edgar Wright, son influence demeure bien présente et Ant-Man fait la part belle à un humour anglais non-sensique (flirtant par moments avec le Doctor Who-esque), auquel vient se mêler une veine plus américaine, marquée par le stand-up ainsi que l'école Apatow, par le biais de l'implication au scénario d'Adam McKay et de Paul Rudd, l'interprète du rôle-titre, lui-même. Cette forte présence de l'humour et ce mélange des traditions comiques est l'une des grandes réussites du film, n'hésitant pas à faire rire aux éclats sans que cela se fasse, comme on pouvait le craindre, à l'encontre du film lui-même, ni que cela nuise, par ailleurs, à son efficacité en tant que film de super-héros. Sur ce point, du reste, les changements d'échelle permanents de Scott Lang fournissent par ailleurs le prétexte à des scènes d'action inventives, tout en restant en permanence lisibles - deux éléments qui relèvent chacun du luxe dans le paysage des blockbusters actuels. 

Enfin, l'intégration d'Ant-Man dans le MCU s'avère également une réussite. Le contraste est d'autant plus marqué que le film, comme on le rappelait plus haut, succède sur les écrans à Age of Ultron, lequel s'est avéré pâtir grandement de sa situation de point pivot dans la grande fresque Marvel. Entre les intrigues à boucler issues des films précédents voire des séries télévisées, celles à lancer en direction de la "phase 3", le grand schéma autour des "pierres d'infinité" à faire avancer, et la nécessité de faire entrer en jeu de nouveaux personnages appelés à enrichir l'équipe des héros, le deuxième volet des aventures des Avengers avançait ployé sous le poids de son cahier des charges. Certes pas dénué de qualités, il peinait néanmoins à exister pour lui-même, et s'avérait, de plus, très difficilement compréhensible pour quiconque n'avait pas suivi fidèlement tous les développements précédents.

Si Ant-Man n'apparaît pas totalement déconnecté du MCU (comme le souhaitait Edgar Wright), il s'y adosse intelligemment sans paraître écrasé sous son poids. S'il se murmure que certains concepts faisant leur apparition dans le film pourraient jouer un rôle crucial dans les films à venir, cette introduction se fait par la bande sans donner l'impression de prendre en otage le spectateur, qui a tout loisir d'ignorer cet aspect des choses. En contrepartie, l'intrigue s'appuie sur l'existence d'un univers pré-établi pour donner de l'épaisseur à ses personnages et à leurs aventures. Ainsi, Scott Lang apparaît bien dans le film comme un potentiel héros "de deuxième génération", appelé à reprendre le flambeau d'un Hank Pym ayant officié pour le compte du S.H.I.E.L.D. plusieurs décennies plus tôt en tant que premier Ant-Man, aux côtés de sa femme et jusqu'à la disparition de celle-ci. Cette approche déplace les enjeux du "récit d'origine" juste assez pour donner au genre une impression de fraîcheur, tandis que des personnages connus font quelques caméos qui apportent au film... sans qu'ils y apportent avec eux pour autant tout un poids d'enjeux développés ailleurs.

Ajoutons pour conclure que Paul Rudd (Scott Lang) et Michael Douglas (Hank Pym) semblent beaucoup s'amuser, et de façon communicative, dans leurs rôles, qu'Evangeline Lilly en fille du second tire son épingle du jeu et impose son importance dans ce qui reste, par ailleurs (il faut bien l'avouer), un "film de mecs" (disons qu'on est très, très loin des critères du test de Bechdel...), et que Corey Stroll ne se débrouille pas trop mal dans un rôle de méchant de service qui, sans être extraordinairement développé, tient tout de même un peu plus la route que la plupart de ses prédécesseurs ⁴. Non, Ant-Man n'est peut-être pas un chef d'œuvre (on n'en demandait de toute façon pas tant), mais au rayon des divertissements estivaux, sans prise de tête mais non sans qualité, il remplit parfaitement un programme pas si évident que ça - à en juger par le caractère plutôt exceptionnel des réussites en la matière. Et confirme au passage, s'il en était besoin, qu'en matière de super-héros sur grand écran, les studios Marvel ne sont pas près de perdre la position dominante qu'ils ont su bâtir et conserver ces dernières années.

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1 Chaque tentative d'un personnage de régler son "traumatisme fondateur" désormais de rigueur dans ce type de productions, s'avérant un échec calamiteux et une mise en péril de l'équipe. On verra plus loin comment Ant-Man joue lui aussi, mais différemment, avec le caractère désormais canonique (et trop souvent bien ennuyeux) de ce type de récit.^↩
2 Par souci de clarté, je laisse de côté le troisième porteur du costume d'Ant-Man, Eric O'Grady, anti-héros comique de la mini-série The Irredeemable Ant-Man (L'Incorrigible Ant-Man en VF chez Panini) de Robert Kirkman et Phil Hester.^↩
3 J'ouvre ici une parenthèse plus longue. Les noms de Tim Burton, de Sam Raimi et de Christopher Nolan revenaient comme des mantras dans ces invocations. J'eus même la surprise d'entendre une fois citer en exemple Zack Snyder, ce qui témoigne tout de même, et d'un certain aveuglement sur la qualité de sa production, et d'une torsion certaine du concept d' "auteur". C'était oublier miséricordieusement - ou opportunément - le Hulk absolument calamiteux d'Ang Lee, le Thor plutôt décevant de Kenneth Brannagh (auquel on me permettra de préférer très largement le second volet, The Dark World, par l'anonyme Alan Taylor), ou l'Iron Man 3 de Shane Black. Traité lui-même comme un tâcheron sorti de nulle part, à son arrivée dans l'univers Marvel, par certains cercles "cinéphiliques" qui ignoraient tout de son statut véritablement culte par ailleurs, Joss Whedon semble avoir eu sa part dans le choix de mettre en avant pour le MCU des artisans qui, à défaut d'être géniaux ou visionnaires, se sont révélés plutôt solides, et n'ont pas démérité face à certains noms plus prestigieux mais moins inspirés par le genre.^↩
4 Si l'on s'en tient au fameux adage hitchcockien selon lequel meilleur est le méchant, meilleur est le film, il faut bien avouer que les productions des studios Marvel trouvent souvent là l'une de leurs limites. Les Gardiens de la galaxie, de ce point de vue, touchaient le fond en sacrifiant totalement le personnage de Ronan, autrement plus intéressant, riche et complexe dans ses développements de papier que le bouffon manichéen et incapable qui nous était donné à voir à l'écran.^↩

Ant-Man
Réalisé par : Peyton Reed.
Scénario : Joe Cornish, Adam McKay, Paul Rudd, Edgar Wright.
Avec : Paul Rudd (Scott Lang / Ant-Man II), Evangeline Lilly (Hope Pym), Michael Douglas (Hank Pym / Ant-Man I), Corey Stroll (Darren Cross / Yellowjacket), Michael Peña (Luis).
Sortie en salle : Juin / juillet 2015 (USA / France).

Lazarus - Née pour tuer

Lorsqu'on évoque le nom d'Ed Brubaker, celui de Greg Rucka est rarement loin dans la conversation. Ça tombe bien, Glénat, à la faveur d'un changement d'équipe éditoriale, a décidé d'étoffer de façon très volontariste sa collection dédiée aux comics, en offrant notamment aux lecteurs français la traduction très attendue des quatre premiers numéros de Lazarus, série qui en est actuellement à son seizième numéro chez Image Comics, et dans laquelle Rucka et le dessinateur Michael Lark (co-créateurs avec Brubaker, est-il besoin de le rappeler ? de l'excellent Gotham Central) se lancent dans la science-fiction.

Le futur imaginé par Greg Rucka est aux mains de seize riches familles, à la tête d'entreprises multinationales qui ont progressivement succédé aux pouvoirs politiques traditionnels et se sont partagées le monde, régnant d'une main de fer sur de vastes territoires et sur les populations qui y vivent. On aura compris que la notion de "capitalisme sauvage" n'y est pas un vain mot... Une minorité de "serfs" reçoit soins, nourriture, habitat et protection en échange de son utilité tandis que la majorité de l'humanité est rejetée au rang de simples "déchets" dépourvus de droits. Pour assurer sa protection et en même temps lui servir de bras armé privilégié, chacun de ces clans dispose d'un Lazare, un être conçu artificiellement, quasi immortel - ou du moins doté d'une capacité quasi illimitée de résurrection -, et programmé pour vouer une loyauté sans faille à la famille dont il ou elle imagine être un membre à part entière. Le Lazare de la famille Carlyle est une femme et répond au prénom ô combien signifiant de Forever (parfois abrégé en Eve)... et sa loyauté va être mise à rude épreuve à l'heure où des conflits internes souterrains remontent à la surface pour déchirer la famille en mode Dallas, ton univers impitoyable - au risque d'affaiblir le clan face aux convoitises de ses rivaux, dans un monde où les O.P.A. sauvages se règlent les armes à la main.

Il est regrettable que l'édition française ait décidé de faire figurer en tête de volume, en guise de prologue, la preview que les auteurs avaient conçu spécialement pour donner aux futurs lecteurs un avant-goût du contenu de la série, quelques mois avant la sortie du premier numéro. Le TPB américain l'avait repris également, certes, mais en fin de livre, comme on met une bande-annonce (puisque c'est de l'équivalent de cela qu'il s'agit) en guise de bonus sur un DVD, et non pas en ouverture du film concerné. L'erreur n'est pas que d'ordre logique : Glénat fait ainsi débuter les lecteurs par quatre pages très explicatives, assénant un grand nombre d'informations de façon quelque peu indigeste, sacrifiant, au passage, et l'effet de l'ouverture-choc du premier chapitre, et l'art avec lequel Brubaker distille savamment au fil du récit les informations sur le monde de son héroïne et les règles de son fonctionnement.

(Cette présentation ne se limite d'ailleurs pas aux quatre premiers numéros et l'essentiel du T.2, dont la version française paraîtra dès cet été, se partage entre un aperçu de la vie des populations "normales" et une exploration du passé de Forever - avant que le troisième arc n'embraye sur les conséquences proprement dites du contenu de ce premier volume. Par ailleurs, des informations supplémentaires sur les seize familles et leur histoire sont présentes à la fin des numéros vendus à l'unité aux USA, mais les auteurs ont fait le choix de les limiter à ce moyen de diffusion : ils ne sont donc pas repris dans les TPB, ni, par conséquent, en traduction.) 

Ce bémol mis à part, Lazarus s'affirme comme une série à considérer comme l'un des incontournables du moment, voire l'un des indispensables, que l'on soit fan de SF dystopique, de personnage féminin éloigné des clichés, ou tout simplement du travail des auteurs. - Encore qu'en l'occurrence, les deux derniers points aient tendance à se superposer au moins en partie, tant l'étiquette "auteur spécialisé dans la création (Carrie Stetko, Tara Chace, Rachel Cole-Alves, Kate Kane / Batwoman, Dex Parios...) ou l'exploitation (Wonder Woman, Renee Montoya, Black Widow...) de personnages féminins forts et crédibles" a tendance à être apposée sur Rucka, voire à le définir pour une partie du public (pour les anglophones, sa réponse détaillée sur le question, donnée en 2012 pour le site io9, vaut la lecture et la réflexion). 

Forever est un personnage complexe, une super-guerrière aux qualités de combattante indéniables, mais qui n'est pas pour autant dépourvue de sensibilité - laquelle sensibilité la place, en retour, dans une position intenable entre l'empathie qu'elle peut ressentir et la réalité de son rôle, non seulement de rouage essentiel, mais de protectrice implacable d'un système oppressif. Confrontée plus souvent qu'à son tour à des choix éthiquement aussi douteux que douloureux - comme par exemple, au début de ce premier volume, exécuter en connaissance de cause un innocent plutôt que de faire peser le poids des représailles familiales sur toute une communauté -, la "créature", on le devine, devra accomplir un cheminement difficile pour devenir enfin un individu à part entière, et se libérer (mais jusqu'à quel point ?) des déterminismes imposés par sa programmation et son éducation. Cet itinéraire est le fil conducteur par lequel nous sommes amenés à parcourir un monde qui, comme dans tout bon titre de science-fiction dystopique qui se respecte, n'est jamais qu'une parabole, un reflet déformé de notre propre réalité (on songera évidemment au slogan "We are the 99%"...), et auquel Rucka et Lark donnent vie de remarquable et toujours passionnante façon.

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Note : pas mal d'activités, soucis et obligations "côté RL", comme on dit, ont eu notamment pour résultat une petite sieste de ce blog alors que plusieurs billets - partiellement rédigés même pour certains - étaient prévus, consacrés, notamment, aux adaptations DC en séries télé, et à tout un "cycle SF", dont ce billet-ci est finalement le seul à voir le jour malgré tout. Parce que c'est une p***** de bonne série dont j'avais vraiment très envie de parler, et que ce billet aura rempli son office s'il convainc ne serait-ce qu'une personne qui n'aurait pas encore sauté le pas de se jeter dessus depuis bientôt deux mois qu'elle est sortie en France.

Lazarus, T.1 : Pour la famille
Contient Lazarus #1-4.
Scénario : Greg Rucka.
Dessin : Michael Lark.

Éditeur original (USA) : Image Comics.
Sortie originale : juin-octobre 2013.

Éditeur (France) : Glénat.
Traduction : Alex Nikolavitch.
Sortie : avril 2015.

The Fade Out - La double mort de Valeria Sommers

Hollywood, automne 1948. Après une soirée trop arrosée dont il ne garde que peu de souvenirs, Charlie Parish se réveille non loin du corps sans vie de Valeria Sommers, la starlette du film dont il est le scénariste. Paniqué, il vide les lieux, d'autant qu'à son incapacité à fournir un alibi en cas d'enquête s'ajoute un autre secret à protéger : depuis son retour de la guerre, Charlie est incapable d'écrire une ligne, et les scénarios qu'il signe sont en réalité l'œuvre de Gil Mason, un ami que ses sympathies communistes ont condamné à la "liste noire" du maccarthysme. 

Avec The Fade Out, dont les quatre premiers numéros ont été récemment collectés en TPB aux États-Unis, Brubaker fait ce qu'il sait faire de mieux : du Brubaker. Pur jus. Désormais bien installé chez Image Comics, le scénariste semble avoir tourné le dos pour de bon à l'univers des super-héros, qu'il s'était fait une spécialité, au début des années 2000, de mêler aux genres qu'il affectionne, et auquel il semble désormais vouloir se consacrer pleinement : polar et espionnage. Le titre marque également rien moins que sa sixième collaboration avec le britannique Sean Phillips au dessin, présent à ses côtés depuis ses débuts avec Scene of the Crime, puis avec Sleeper, l'excellent Criminal, Incognito, et enfin Fatale, leur première série chez Image, pendant lovecraftien, et néanmoins classieux, à l'American Vampire de Scott Snyder.

On est donc en pays de connaissance avec ce nouveau titre, et ce d'autant plus que la série nous plonge dans un environnement familier aux amateurs de "noir", le Los Angeles des romans de Raymond Chandler ou de James Ellroy. Brubaker et Phillips puisent dans une imagerie connue, mais non sans l'ausculter au passage, voire la déconstruire. Ainsi, par exemple (emblématique), de "Valeria Sommers", de son vrai nom Jenny Summers, fille simple venue de Pasadena, à l'image entièrement remodelée par les studios pour en faire une "femme fatale" au port aristocratique, censée devenir "la prochaine Veronica Lake".

Du moghul à la costumière, des stars au chef de sécurité, en passant par l'incontournable réalisateur allemand immigré, le récit nous entraîne en jouant de la double fascination du lecteur pour les atours glorieux du Hollywood de l'âge d'or finissant - que la loi contre le "système des studios" s'apprête à mettre à mal -, et pour son envers moins avouable : sexe ("Les stars du cinéma sont le plus puissant des aphrodisiaques"), drogue, et, si l'époque n'est pas encore au rock'n'roll, magouilles et violences secrètes. Apparence et faux-semblant règnent en maîtres : Charlie n'est pas le véritable auteur du scénario du film, dont le héros a la face masquée par des bandages, et se trouve, de ce fait, joué par la doublure de la star masculine. Dans ses rêves, le faux auteur partage la dernière soirée de Valeria avec des hommes sans visages...
 

Mais la principale originalité de The Fade Out - au moins au stade de ce "premier acte" - est de se présenter comme un polar sans enquête. Rongé par le doute quant à sa propre implication, et ayant trop à perdre, quoi qu'il en soit, à ce qu'une investigation soit correctement menée, Charlie n'a rien d'un détective hard boiled : rouage de la machine, il ne peut qu'assister, velléitaire et impuissant, à la suite des évènements tandis que les responsables du studio maquillent le probable meurtre en suicide, et engagent une nouvelle actrice pour "sauver le film" et retourner les scènes précédemment jouées par Valeria, nouvelle mort symbolique où s'engloutit tout ce qui restait d'elle : une image dans un monde d'images.

Entre le requiem aux starlettes sacrifiées et l'ode en mode mineur à la mémoire de l'Hollywoodland, The Fade Out ausculte les âmes et ressuscite une époque - pour mieux en chroniquer la disparition, parallèle à celle de la victime désignée (terme cinématographique, le titre peut se traduire par "fondu au noir") -, dans une reconstitution magistrale qui doit autant aux détours du scénario de Brubaker qu'au travail graphique de haute volée de Sean Phillips, remarquablement soutenu de surcroît par la superbe mise en couleurs d'Elizabeth Breitweiser. S'engageant sur un territoire a priori bien balisé, le duo nous étonne encore et continue de se dépasser avec ce polar élégiaque et plus surprenant qu'on ne pourrait croire.

The Fade Out, Act One
Contient : The Fade Out, #1-4
Scénario : Ed Brubaker.
Dessin : Sean Phillips.
Éditeur : Image Comics.
Sortie (USA) : août 2014-janvier 2015.

Nuits indiennes - Comédie policière polissonne

Chaque forme d'art et chaque genre au sein de celle-ci a son lot de réussites, voire de chefs-d'œuvre, et son lot de productions de masse, disons, moins inspirées... Cet état de fait bien connu ne pose guère de problème à personne dans le cadre d'un art solidement institué (pour le dire vite, la collection Harlequin ne remet pas en question le statut de Victor Hugo) ; dans le cas contraire, en revanche, c'est la part la plus médiocre de la production qui tend à s'imposer aux yeux du grand public comme la "vérité" de cette forme d'expression. Alors, quand un medium toujours en recherche de reconnaissance - la bande dessinée - s'adonne au mauvais genre par excellence - l'érotisme voire la pornographie -, forcément, on part de loin...

Dans ce contexte, Mahârâja, sorti en 2012 chez Drugstore, avait néanmoins su se faire remarquer. Autour de la villégiature sous haute tension (à tous points de vue) d'un dignitaire indien dans un palais italien en 1917, le titre révélait un jeune prodige du dessin, Artoupan, donnant l'impression d'organiser dans un style graphique personnel et moderne rien moins que la rencontre de l'imagerie érotique indienne classique et de l'héritage de Toulouse-Lautrec, tandis que sous le pseudonyme de Labrémure, Frédéric Brémaud - qui signe ordinairement Brrémaud ses séries tout public ou jeunesse - se payait le luxe, encore plus rare dans le genre, de construire un "vrai" scénario, avec une atmosphère et des personnages plutôt bien campés, et une intrigue mêlant espionnage international et comédie aux ébats émoustillants de rigueur.

Sortant trois ans plus tard chez Clair de Lune, Nuits indiennes s'en présente comme la vraie-fausse préquelle, dont l'action se situe en 1911 : si l'on peut imaginer que le changement d'éditeur impose l'absence de référence explicite à Mahârâja, on ne se fera pas prier pour reconnaître sous les traits d'Adélie d'Arcueil, dite la Pie Voleuse, la future Directrice de la Villa d'Este (du précédent volume), rousse incendiaire, et aussi mystérieuse que gironde, qui fit chavirer bien des cœurs de lecteurs.

Pour l'heure, la belle se fait mettre en cage par un vieux préfet de police porté sur les principes, et répondant à l'improbable nom de Mirobole-Ecclésiaste Richelieu-Dupleix, qui n'apprécie guère le double cursus patronne de maison close / cambrioleuse de notre héroïne. Coïncidence, le même sort frappe bientôt Léon Latourette, valet, par ailleurs homosexuel, du même préfet, qui a le tort de repousser les avances de l'épouse nymphomane d'icelui, et se voit conséquemment accusé de viol. À leur sortie de prison, les deux se retrouvent et mettent au point un plan commun pour anéantir le bien le plus précieux de leur ennemi : son honneur. Pour cela, ils projettent de lui dérober l'Ookoondor, fabuleux diamant qui est tout ce que les ancêtres du préfet purent sauver des mains anglaises en Inde après la débâcle de la Guerre de Sept Ans. Une orgie dont la femme infidèle sera le centre devant fournir la meilleure des diversions pour le fric-frac...

Passant du lac de Côme à Capri, le duo d'auteurs renouvelle sa formule gagnante sans y oublier - comme le titre le suggère - l'ingrédient oriental décisif, encore qu'en la matière, Kashawa Kantra, faux gourou indien venu du Brésil mais authentique escroc, qui passe une bonne partie de l'album à aligner les bordées d'injures en français et en portugais, ne soit pas tout à fait du même standing que ne l'était Raghubir Singh Bahadur, le mahârâja de l'album du même nom, qui cultivait plutôt le mystère et le mutisme ! Labrémure et Artoupan jouent avec encore plus d'entrain et de second degré moqueur des fantasmes européens sur l'univers du Kâmâ Sutra et autres secrets sexuels tantriques, dont la perspective affole une assemblée de rombières, leur faisant prendre des vessies pour des lanternes, et un arnaqueur malpropre et malpoli pour un maître de l'extase mystique.

Si l'humour était loin d'être absent du précédent opus, Nuits indiennes en prend plus résolument encore le parti, quitte d'ailleurs à accorder moins d'espace et à faire passer au second plan les "scènes de fesse" - néanmoins toujours bien présentes et "efficaces", qu'on se rassure. Par sa revisitation tout à la fois polissonne et drolatique des imaginaires du début du siècle (notamment du côté des romans-feuilletons), cette comédie érotique d'une nuit d'été n'est d'ailleurs pas sans rappeler certains aspects d'un classique du genre, la série Blanche Épiphanie de Jacques Lob et Georges Pichard - laquelle, en retour, m'a toujours donnée l'impression d'être la petite sœur "classée X" de l'Adèle Blanc-Sec de Tardi... mais je m'égare, mon parnasse...

Quoi qu'il en soit, s'il est sans doute un peu tôt pour affirmer que les œuvres du duo Artoupan-Labrémure trôneront à terme parmi les incontournables références de la BD "pour adultes" - rangées entre les sophistications orientales de Magnus et les fantaisies Belle Époque de Leone Frollo (c'est, en tout cas, tout le mal qu'on leur souhaite) -, elles constituent du moins à n'en pas douter un mets de choix pour les amateurs de coquineries de qualité, et pour les connaisseurs en beaux dessins n'ayant pas froid aux yeux. Quant au troisième volet (dans un désordre tout à la fois des sens et, du coup, de circonstance) des aventures de leur héroïne aux charmes de feu, qui devrait délaisser un temps les paysages italiens pour mettre le cap sur Marseille, gageons qu'il est d'ores et déjà attendu de pied ferme.

(J'ai bien dit de pied... Un peu d'ordre dans les rangs s'il-vous-plaît !)

Nuits indiennes
Scénario : Labrémure.
Dessin : Artoupan.
Éditeur : Clair de Lune.
Sortie : mars 2015.

Également disponible en "édition prestige",
en noir et blanc, format à l'italienne (tirage limité).

À la dérive vs. Sequana - Les noyés de l'an 10

Xavier Coste est un jeune auteur partageant ses activités entre la peinture et la BD, avec désormais, à vingt-six ans, trois albums à son actif. Après s'être fait remarquer avec une biographie d'Egon Schiele, puis avoir enchaîné avec un album consacré à la vie de Rimbaud, À la dérive, sorti en janvier dernier, est son premier essai en matière d'histoire originale (ou presque) : un récit policier ancré dans le Paris de janvier 1910, lors de la grande crue de la Seine qui submergea une large partie de la capitale. Eddie, une petite frappe exilée d'Amérique, y croule sous les dettes de jeu. Sa compagne, Agatha, se prostitue, mais cela ne suffit pas. Eddie se met alors en tête de profiter de l'inondation pour organiser, en s'entourant d'une bande d' "Apaches", le braquage de la banque American Express... Sans guère de surprise, les choses vont dramatiquement mal tourner.

Paris inondé offre un sujet fascinant pour les pinceaux de Xavier Coste, qui, du moins dans ses meilleurs moments, parvient à transfigurer ce décor - notamment dans une grandiose double page, quasi surréaliste, au début de l'album, jouant d'effets de perspective exagérés. Délaissant la tablette graphique, À la dérive opte avec succès pour une peinture plus "matérielle" et plus inventive que dans les précédents albums de l'auteur, mêlant pour l'essentiel acrylique et pastel, tandis que les cadrages des cases pastichent volontiers ceux du style Art Nouveau.

Malheureusement, côté scénario, les choses s'avèrent plus problématiques. Xavier Coste, en effet, a choisi de transposer un casse qui eut lieu, en réalité, en 1903, et dont les organisateurs étaient un couple d'Irlandais, Eddie Guerin et Chicago May. Manifestement, l'histoire ici n'est qu'un prétexte à exploiter le cadre offert par l'inondation de 1910 - et non seulement elle ne parvient pas à dépasser ce statut de prétexte, mais celui-ci se révèle finalement assez mal choisi, n'offrant pas même l'exploitation attendue.

Les personnages et leurs parcours donnent parfois l'impression de n'être là que pour "meubler" le décor. Ils sont écrasés par un cadre dont l'intérêt prime sur eux, et avec lequel, paradoxalement, ils interagissent très peu - tant il est vrai que leur histoire pourrait tout aussi bien se dérouler dans un tout autre contexte (et pour cause !). On ne ressent guère d'empathie pour Eddie ou même Agatha, encore moins de fascination, et leur psychologie demeure trop peu développée pour être vraiment intéressante.

À cela s'ajoute l'incapacité de l'auteur à s'émanciper de la véritable histoire qu'il a choisi pour base. S'il a pu se sentir plus libre ici que sur ses précédentes BD biographiques, il n'en reste pas moins attaché à suivre pas à pas le parcours de ses modèles, au lieu de faire véritablement œuvre originale à partir d'une source d'inspiration. Ce qui, nouveau paradoxe, le conduit à quitter avant la moitié de l'album le cadre de Paris inondé, alors même que l'histoire n'était qu'une excuse pour l'évoquer et souffre d'être traitée comme telle. La majeure partie de l'album se déroulera donc, en réalité, en Guyanne (certes une autre occasion de plaisir des yeux grâce à un traitement pictural peut-être encore plus réussi que précédemment), consacrée à l'incarcération et à l'évasion d'Eddie.

Pour couronner le tout, l'album se clôt sur une fin particulièrement abrupte qui peut pousser le lecteur à se demander si c'est bien un one-shot qu'il a entre les mains, et non un premier tome que Casterman aurait omis de signaliser comme tel (la chose ne serait pas sans précédent). Xavier Coste ignore visiblement qu'il ne suffit pas de couper une histoire en plein milieu pour obtenir une "fin ouverte" satisfaisante - sans parler du caractère un peu vain de prétendre laisser la suite des évènements à la libre imagination du lecteur quand on a jusque-là copié l'Histoire d'aussi près (de fait, les retrouvailles entre le bagnard évadé et son ancienne amante, qui avait refait sa vie avec le butin et un nouveau compagnon, furent loin d'être heureuses).

Ce final bâclé est symptomatique de l'ensemble de l'album : si le changement de technique graphique par rapport à ses deux précédents titres montre une évolution des plus appréciables de Xavier Coste sur ce point, le jeune homme a encore du travail à faire quant à sa maîtrise de la narration, et doit apprendre à plus pauser son récit pour mieux le développer au lieu d'accumuler vignettes et saynètes dans une fuite en avant qui ne débouche... nulle part. En l'état, À la dérive donne plus l'impression d'un beau livre d'images que d'un véritable récit, et donne surtout envie d'aller relire les trois tomes de Sequana, parus il y a quelques années chez Emmanuel Proust, et qui, sur le même thème, se révélaient autrement plus convaincants.

Sequana reste à ce jour (avec le webcomic Rainbow Mist) l'une des rares excursions dans le domaine du scénario de BD de Léo Henry, principalement romancier et nouvelliste de science-fiction, et surtout le sommet - pour l'instant, espérons-le - de la carrière du trop rare Stéphane Perger. Après avoir fait ses premières armes et perfectionné son style sur le premier cycle de Sir Arthur Benton (sur scénario de Tarek, chez le même éditeur), l'aquarelliste trouvait là un terrain d'expression idéal, l'adéquation de la forme et du fond étant évidente.      

L'histoire suit les parcours croisés, sur quelques jours, de trois personnages que seule l'inondation pouvait amener à se rencontrer : Alice Treignac, fille de médecin, qui ambitionne de lui succéder dans cette voie malgré les préjugés de l'époque ; Jean Faure, brigand anarchiste recherché pour meurtre ; et monseigneur Emmanuel Chelles, archevêque de Paris, qui se met à entendre des voix... La catastrophe serait-elle signe annonciateur de l'Apocalypse, ou au contraire la vengeance de l'ancienne divinité païenne du fleuve, trop longtemps négligée ?

Scénario et dessin se conjuguent pour nous faire plonger dans l'époque, jouant aussi bien de l'attention aux petits détails de la reconstitution (le travail de Xavier Coste paraît, il faut bien le dire, assez fruste en comparaison) que de la vision d'ensemble. Le récit prend le temps de se développer - les trois tomes ne couvrent que dix jours -, de poser l'atmosphère générale et de travailler une tension grandissante au fil du récit, tout en évoluant dans une variété de lieux, des beaux quartiers au Paris populaire et interlope, nous faisant au passage croiser quelques-unes des organisations prégnantes dans la vie politique de l'époque, comme le Sillon ou les Camelots du Roy. Les dialogues convoquent l'argot du temps, suffisamment pour ancrer l'impression de réalisme, sans non plus trop en faire. On titille le fantastique avec les hallucinations de Mgr Chelles, et avec les pinceaux de Stéphane Perger, conjoignant une approche visiblement très documentée et un traitement flirtant par moments avec l'onirisme - tandis qu'Alice, qui voit ses rêves de liberté mis à l'épreuve par sa rencontre avec Jean, compose une figure centrale de femme aux aspirations modernes, auxquelles le lectorat d'aujourd'hui peut se raccrocher, sans pour autant verser dans l'anachronisme, écueil de bien des œuvres "historiques", en BD comme ailleurs, qui tendent un peu trop souvent à projeter dans les époques les plus reculées des personnages ayant déjà "tout compris" de la nécessité de la lutte des classes ou de la libéralisation des mœurs... Bref, Sequana est un quasi sans-faute, qui n'attend que l'occasion d'être relu, ou d'être découvert si vous êtes passé à côté. Immersion dans l'histoire garantie.

À la dérive
Scénario et dessin : Xavier Coste.
Éditeur : Casterman.
Sortie : janvier 2015.

Sequana (3 tomes)
Scénario : Léo Henry.
Dessin : Stéphane Perger.
Éditeur : Emmanuel Proust.
Sortie : mars 2008-janvier 2010.

Elektra : Le sang appelle le sang - ...les souvenirs et les regrets aussi

Restons un peu dans le même univers à l'occasion de la sortie, chez Panini toujours, du premier tome de la nouvelle série (vraiment nouvelle, pour le coup) consacrée à Elektra Natchos. Créée par Frank Miller pour son run sur Daredevil déjà évoqué, la redoutable ninja grecque a connu son heure de gloire en 86-87 avec la mini-série Elektra: Assassin (récemment republiée elle aussi par Panini au sein d'un volume "Marvel Icons"), sommet de créativité et d'expérimentation pour Miller en tant que scénariste et pour Bill Sienkiewicz au graphisme. La suite fut, hélas, moins brillante. Trois ans plus tard, Elektra Lives Again (Elektra: Le Retour en v.f.) par Miller en solo marqua déjà moins les esprits, malgré ses qualités ; c'est peu dire que la série régulière confiée à Brian Bendis au début des années 2000 ne jouit pas d'une grande renommée ; et même la recréation en version alternative supposément modernisée dans l'univers "Ultimates", confiée à Greg Rucka, auteur qui semblait tout désigné pour un tel personnage, n'aboutit qu'à l'impression d'une redite sans saveur du début du run de Miller. En dehors de ça... ce n'est certes pas moi qui irait dire en face à Elektra qu'elle est un second couteau, mais force est de constater qu'elle a surtout été utilisée comme figurante ou comme utilité, évoluant sans jamais se fixer d'un côté ou de l'autre de la ligne séparant les "bons" des "méchants", quitte à se retrouver, d'un titre à l'autre, à agir pour ou contre les mêmes personnes ou groupes d'intérêt...

Les choses en étaient là lorsque les pontes de chez Marvel semblèrent soudain s'apercevoir - je caricature à peine - que l'absence à leur catalogue de publications en cours de toute série centrée sur une héroïne féminine risquaient, à terme, de nuire à l'image publique "progressiste" de la maison, là où la Distinguée (et supposément "réactionnaire") Concurrence en présentait pas loin d'une dizaine. Dans la brusque explosion de titres féminins qui s'ensuivit - certains très bons, à commencer par la Captain Marvel de Kelly Sue DeConnick, d'autres... moins -, Elektra s'est donc vue à nouveau confier le rôle-star d'une série à son nom, dix ans après l'arrêt de celle de Bendis. Et, comme il se doit : elle n'est pas contente !

Plutôt que de s'interroger trop longuement sur son passé ou son identité, plutôt surtout que de se laisser étiqueter par ses relations avec d'autres ("la fille de...", "l'amante de...", "la victime de..."), la guerrière, à l'orée de cette nouvelle aventure, décide de s'en tenir à ce qu'elle fait de mieux, et qui la définit de la façon la plus évidente : ses activités d'assassin. Mais la mission que lui propose l'Intermédiaire (the Matchmaker en v.o.) est d'une nature plutôt hors norme. D'une part, parce qu'il s'agit de retrouver un certain Cape Crow, un tueur hors pair qui avait pris la sale habitude de "voler" leurs contrats aux membres de la Guilde, puis s'est volatilisé après avoir défait les plus éminents d'entre eux. D'autre part, parce que depuis qu'une trace ADN de Cape Crow a refait surface, ce n'est pas la concurrence qui manque pour tenter de mettre la main sur lui et sur la prime associée à sa tête - mais la mission proposée à Elektra diffère en ce qu'on lui demande expressément de le ramener vivant. Lorsqu'il apparaît que l'auteur de ce "contrat" parallèle est le propre fils de Cape Crow, Elektra va se retrouver confrontée aux interrogations identitaires auxquelles elle cherchait justement à tourner le dos.

Plus que le scénario néanmoins, c'est d'abord le traitement graphique de Michael Del Mundo qui attire l'attention. En ce sens, cette Elektra se rapproche de la Black Widow de Nathan Edmondson et Phil Noto, série dont Panini a également publié un premier volume il y a quelques mois de ça (et que dans l'ensemble je trouve tout de même, je préfère le signaler au passage, un bon cran au-dessus de celle-ci). La Veuve Noire évolue dans une intrigue et un environnement à la James Bond là où les aventures de la ninja lorgnent plutôt vers le pulp (passant du fond d'une jungle à une cité chinoise engloutie) et le fantastique, mais dans les deux cas, on retrouve deux "héroïnes" sans super-pouvoir mais aux capacités... mortelles, évoluant toutes deux dans les zones grises de la moralité, avec une même propension à enfouir leurs sentiments aussi sûrement que les corps de leurs ennemis, dans deux séries où une mise en image somptueuse tend à primer sur l'intérêt du scénario ; coïncidence ?

Quoi qu'il en soit, "Deadly Mike" Del Mundo, artiste d'origine philippine qui avait jusque-là surtout officié sur des couvertures et se voit confier pour la première fois une série régulière, est la révélation du titre. Sans le singer - ni prendre le risque de le suivre dans tous ses excès -, il n'en place pas moins clairement son travail sur Elektra dans la filiation graphique de Bill Sienkiewicz, en hommage manifeste à ce qui reste, comme on l'a dit en ouverture, LE grand moment de l'histoire du personnage. Au scénario, Haden Blackman - qui venait tout juste de claquer la porte de DC après "l'affaire" Batwoman - lui sert sur un plateau toutes les occasions de briller, et il est évident que l'auteur est resté marqué par sa collaboration avec J.H. Williams III sur les aventures de la déesse rousse des nuits de Gotham, tant on en retrouve dans Elektra les double splash-pages caractéristiques amalgamant les images en une composition complexe...

Néanmoins, et comme cela avait d'ailleurs déjà pu être le cas à certains moments de Batwoman - en particulier lors de l'arc "World's Finest" (T.3 "L'Élite de ce monde" chez Urban) -, le recours un peu trop systématique à cette méthode se fait parfois au détriment de la force du récit, affaiblissant au profit de la prouesse graphique certaines scènes qui auraient pu avoir une plus grande portée émotionnelle (dans un titre qui de façon générale tend à être "contaminé" par la froideur de son héroïne), et pouvant conduire à une impression de décousu par les changements de rythme que ce style impose à la narration pour progresser d'une "grande scène" à une autre.

Ces bémols mis à part, ce nouveau départ des aventures d'Elektra reste pourtant, globalement, un titre recommandable aussi bien pour les fans de longue date du personnage que pour ceux qui le découvriront à cette occasion. Les éléments-clés du passé de l'héroïne sont rappelés rapidement, et si l'on croise quelques personnages secondaires connus des aficionados (Lady Bullseye en particulier), Blackman met surtout l'accent sur la création de nouveaux venus : la mystérieuse Intermédiaire, Cape Crow et son fils, ou l'inquiétant Bloody Lips (traduit littéralement, mais un peu lourdement, "Lèvres Ensanglantées" en v.f.), qui absorbe les capacités et les souvenirs des victimes qu'il dévore... Le scénario, même s'il repose sur une trame assez classique de traque, et se permet sans doute un peu trop de facilités pour être pleinement convaincant, n'en reste pas moins plutôt efficace dans son mélange d'action et d'introspection. Ce n'est pas vraiment le retour triomphal qu'on pouvait espérer pour un tel personnage, ni une série incontournable, mais, l'univers graphique de Del Mundo n'aidant pas peu à emporter l'adhésion, les amateurs du genre devraient trouver de quoi y passer un bon moment en compagnie de l'une des plus inquiétantes héroïnes de la Marvel.

Elektra : Le Sang appelle le sang
Contient Elektra vol.3 #1-5.
Scénario : W. Haden Blackman.
Dessin : Michael Del Mundo.

Éditeur original (USA) : Marvel.
Sortie originale : avril-août 2014.

Éditeur (France) : Panini.
Traduction : Mathieu Auverdin.
Sortie : mars 2015.

Daredevil : Le Diable de Californie - Changement d'air

Plusieurs des grands héros historiques de Marvel bénéficient ces dernières années de runs de très grande qualité par quelques-uns des meilleurs artistes du moment, assez libres visiblement de développer des choses dans différentes directions et différents styles plutôt que d'avoir à se couler dans un moule unique. Et Daredevil, le justicier aveugle confié depuis 2011 au scénariste Mark Waid, fait assurément partie du lot.

Pour autant, l'éditeur n'a évidemment pas renoncé à mêler à cette approche, louable mais bien sûr pas "désintéressée", des techniques aux visées nettement plus commerciales qu'artistiques, parmi lesquelles une manie à reprendre de plus en plus souvent à zéro la numérotation des séries, y compris au beau milieu de l'histoire développée par un auteur. Cette technique marketing vise à attirer un nouveau lectorat (quitte à désorienter un peu celui déjà existant) en lui faisant miroiter une entrée facilitée dans l'univers d'un personnage à l'occasion d'une histoire redémarrant plus ou moins à zéro - promesse quelque peu fallacieuse quand l'évènement survient artificiellement en cours de run.

Pour mémoire, la première série Daredevil aura connu une suite ininterrompue de 320 numéros de 1964 à 1998 ; la deuxième, 119 numéros de 1998 à 2009 ; la troisième, confiée à Mark Waid, 36 seulement, de 2011 à 2014, avant que la numérotation ne soit relancée pour une quatrième série qui continue pourtant le même travail du même auteur sur la suite d'une même histoire, et dont on sait aujourd'hui qu'il s'arrêtera d'ici peu, au numéro 15 ! Ce qui n'a pas empêché, sur nos côtes, l'éditeur Panini, chez qui on ne peut pas dire que le souci de la clarté de son offre auprès du lectorat apparaisse toujours comme une exigence première, de sauter sur l'occasion pour publier un premier recueil de cette "nouvelle" série. 

La reprise au numéro 1 de 2011 avait le mérite de remettre de l'ordre dans une architecture devenue complexe et peu cohérente après 2009 - entre mini-séries et numéros "500" sortis de nulle part -, tout en marquant l'arrivée d'un nouvel auteur apportant un réel changement de ton.

Republié en français l'an dernier par Panini (dans sa nouvelle collection "Marvel Icons", hélas sans procéder à une révision des traductions... parfois problématiques), le run de Frank Miller au début des années 80 reste - outre l'un des sommets de la carrière de son auteur - la pierre angulaire de ce que la plupart des fans attendent d'un Daredevil : du super-héroïsme, certes, mais dans une ambiance de série noire, urbaine et violente, avec un personnage central à la psychologie torturée, entre deuils tragiques, catholicisme problématique, et tiraillements idéologiques entre ses activités d'avocat, le jour, et de justicier, la nuit. Une approche sombre qui continuait à être celle explorée pendant toute la décennie 2000 sous les plumes successives de Brian Bendis, Ed Brubaker, et Andy Diggle, orchestrant une série de descentes aux enfers que le personnage, dans le premier numéro signé Waid, commentait ainsi : "It has been a miserable last few years. And every time I thought I'd finally hit bottom, God somehow found me a bigger shovel." (Ces dernières années ont été atroces, et chaque fois que je pensais que j'avais finalement touché le fond, Dieu se débrouillait pour me trouver une plus grande pelle).

Sans ignorer ce passé et ses conséquences, le parti pris de Waid fut de s'inscrire en faux de cette tendance "noir de chez noir", et de faire souffler un opportun courant d'air frais. C'était un Matt Murdock bien décidé à "positiver" et à prendre désormais la vie du bon côté qui revenait à New York - non, d'ailleurs, sans que ce changement radical soit remarqué et éveille l'étonnement (voire la suspicion) dans son entourage, Foggy Nelson en venant à douter de l'identité, ou au minimum de la santé mentale, de son associé et ami retrouvé. S'il ne s'interdit pas quelques détours occasionnels par les aspects les plus sombres de l'univers du personnage (l'un des principaux arcs ayant même tout de l'hommage direct à la période Miller), l'une des grandes forces du run de Waid est sa capacité à unir dans un ensemble homogène une grande variété d'inspiration, et à toujours éviter de patauger trop longtemps dans le grim and gritty, préférant délivrer des messages positifs.

Cette troisième série se concluait par la radiation du barreau de New York de Matt Murdock, après l'aveu de son identité "secrète" (qui, à ce point, relevait de longue date du secret de Polichinelle), et par sa décision de suivre en Californie l'ex-assistant district attorney Kirsten McDuffie, soit dit en passant un bien beau personnage féminin introduit par Waid au cours de la série et à l'origine de quelques-uns de ses meilleurs moments. Cette installation à San Francisco fournit l'argument symbolique pour repartir à zéro dans la numérotation de la série (ou pour commencer directement par la nouvelle série, dans le cas de Panini), comme le personnage lui-même doit redémarrer sa vie sur de nouvelles bases. 

Cette dernière assertion peut d'ailleurs se comprendre dans un sens presque littéral, en tout cas très matériel, s'agissant d'un super-héros aveugle dont la force repose non seulement sur ses autres sens hyper-développés en compensation, mais aussi sur sa connaissance parfaite et intime de la topologie new-yorkaise dans laquelle il avait jusque-là essentiellement évolué. C'est peu dire que l'urbanisme de San Francisco est d'un autre genre, nettement moins porté sur l'accumulation de gratte-ciels. Mais Matt doit également composer avec son nouveau statut public, avec ses bons et ses moins bons côtés. Il est traité comme une star par le public, peut ouvertement utiliser ses dons pour collaborer avec la police, mais son domicile est connu de tous - ce qui le conduit notamment à opérer un choix plutôt drastique en ce qui concerne la sécurité de Foggy. 

Ce souci de faire aller de pair une redéfinition de l'environnement du personnage - le climat doux et ensoleillé de San Francisco (après une traversée des USA enneigés) étant d'évidence au diapason du ton de la série telle que conçue par Waid - et une redéfinition du personnage lui-même constitue le grand enjeu des épisodes du recueil, en le confrontant à un double local et dégradé, le Suaire (the Shroud en v.o.).

La technique scénaristique est classique, mais fonctionne. Comme Matt, Max Coleridge est aveugle, bien que la cause en soit fort différente. L'infirmité du Suaire n'est pas à l'origine de sa vocation de super-héros, elle en est une conséquence. Et ses activités de "vigilant" sont teintés d'un désespoir auto-destructeur, d'une propension à la violence et d'une tentation à s'affranchir des règles morales, toutes choses familières aux lecteurs de longue date des aventures de l'Homme sans Peur. Borderline et psychotique, dangereux pour les autres et pour lui-même, il représente en somme ce que Daredevil aurait pu devenir (ou tout simplement rester) si la série avait continué sur la lancée des années 2000, dans la tonalité qui avait culminé de façon assez caricaturale avec le crossover Shadowland de peu glorieuse mémoire.

Néanmoins, si la comparaison proposée est intéressante, et incidemment pave la voie à d'autres développements pour la fin du run, on ne peut pas dire non plus que l'intrigue soit passionnante, et c'est là que le bât blesse. Non que ce début de quatrième série trahisse ce qui avait été fait précédemment, ou déchoie de façon catastrophique... On y retrouve bien la même alternance de moments sombres et d'autres plus lumineux (au propre et au figuré), de scènes de suspense, d'action mais aussi de comédie. La relation Matt-Kirsten fonctionne toujours bien, cette dernière étant devenue sa nouvelle associée aussi bien au travail que dans ses activités de justicier, non sans continuer à être partagée entre les sentiments qu'elle éprouve et sa crainte, assez légitime, de se voir réduite aux yeux du monde au rôle de "la petite amie de Daredevil" (l'inscription des noms des deux partenaires sur la porte de leur bureau étant d'ailleurs, à ce titre, l'objet d'un savoureux running gag, qui se poursuit au-delà des épisodes traduits). 

Mais tout cela sera-t-il ressenti de la même façon par des lecteurs n'ayant pas suivi toute la première partie du run de Waid, et l'évolution de la relation de ces deux-là ? De même pour Foggy Nelson, dont le changement de statu quo pourrait paraître artificiel à ceux qui n'ont pas suivi son combat contre le cancer, qui occupait une large part dans la "troisième série". 

Là réside la faiblesse de ce redémarrage. Comme leur personnage, Mark Waid mais aussi Chris Samnee qui s'est imposé en cours de run comme le dessinateur principal de la série, et n'a pas volé l'Eisner Award que son travail sur ce titre lui a rapporté, semblent peiner quelque peu à trouver leurs marques dans ce nouvel environnement et cela se traduit pas une "phase de transition", d'ajustement et de redéfinition où aucun des deux ne se montre véritablement au meilleur de sa forme. Cette petite baisse de régime le temps de quelques numéros serait passée inaperçue dans une lecture suivie de l'intrigue générale, mais la politique Marvel (répercutée de façon encore plus problématique chez nous par les choix éditoriaux de Panini) en a décidé autrement.

Aussi absurde que cela paraisse, ce n'est pas une transition qui nous est donnée à lire, mais un "début de série", sans que les conditions de celui-ci permettent de renouveler l'extrême brio, complètement enthousiasmant, avec lequel Waid avait pris possession du personnage dès son premier numéro de 2011. Pas du tout déshonorants dans la perspective large du run, ces épisodes manquent néanmoins d'un petit quelque chose pour être vraiment satisfaisants en tant que point de départ. Les nouveaux lecteurs, notamment francophones, que les sirènes du marketing auront poussé à prendre le train en marche sur la route de la Californie risquent d'en être pour leurs frais, et d'en ressortir un peu déçus. 

Reste la grande question  : combien de temps durera cette installation du personnage à San Francisco ? Offrir un nouveau terrain de chasse à l'Homme sans Peur est une idée au potentiel séduisant - surtout que dans la réalité, le quartier new-yorkais de Hell's Kitchen, auquel il était historiquement lié, a connu depuis un moment maintenant une gentrification marquée : rebaptisé Clinton, il affiche maintenant des loyers au-dessus de la moyenne de Manhattan, bien loin de l'image de misère extrême que pouvaient en donner certains anciens numéros de la série, ou un film comme À tombeau ouvert de Scorsese. Dans un court récit ouvrant le numéro "1.5", pour les 50 ans de Daredevil, Mark Waid imaginait l'avenir lointain du personnage, devenu père, et vivant toujours en Californie. Cela pouvait sembler indiquer une volonté d'ancrer les choses, mais on sait maintenant que Waid et Samnee quitteront la série au printemps, et rien n'assure que les repreneurs persévéreront dans la même voie. D'autant que la reprise coïncidera avec le démarrage de la série télé sur Netflix, privilégiant un retour à traitement, disons, plus traditionnel du personnage.

Ce futur restera-t-il "canonique" ? Sur le même thème, mais dans un esprit radicalement différent, Brian Bendis et David Mack, servis au dessin par Klaus Janson et Bill Sienkiewicz, avaient fortement marqué bien des lecteurs avec la mini-série End of Days, requiem sombre, violent, démonstratif et, bien sûr, new-yorkais. C'était en 2012-2013, il n'y a pas si longtemps, parallèlement au run de Waid, et ils ne cachaient pas leur intention de s'inscrire dans la continuité aussi officiellement que possible. Si la reconversion californienne de Daredevil devait s'arrêter au bout de quinze épisodes, cette renumérotation laisserait un petit goût de "tout ça pour ça"...

Le run de Mark Waid est dans son ensemble une franche réussite, et ces épisodes d'installation en particulier, bien qu'un peu en-dessous des (très hauts) standards de la série, n'ont, répétons-le, rien d'indigne dans l'absolu. Mais ils n'en constituent pas vraiment la porte d'entrée idéale que les éditeurs font miroiter, et il est regrettable que des formules marketing incitent (aux États-Unis) ou obligent (en France, pour les lecteurs non-anglophones) à commencer par là, au risque de donner une image faussée et affaiblie d'une des meilleures séries du genre et du moment.

Daredevil : Le Diable de Californie
Contient Daredevil vol.4 #0.1 et 1-5.
Scénario : Mark Waid.
Dessin : Chris Samnee (Peter Krause pour le #0.1).

Éditeur original (USA) : Marvel.
Sortie originale : mai-septembre 2014.

Éditeur (France) : Panini.
Traducteur : Khaled Thalid.
Sortie : février 2015.

Holly Ann vs. Voodoo Serenade - Aux portes du mystère

Hasard des sorties, deux albums, à quelques semaines d'écart, se frottent en ce début d'année à la fascination qu'exerce le vaudou. Dans le premier tome de la série Holly Ann, "La chèvre sans cornes", le scénariste Kid Toussaint et le dessinateur Servain plantent leur décor dans la Nouvelle Orléans de la fin du XIXe siècle, nous invitant à suivre une mystérieuse enquêtrice métisse, alors qu'un fils de riche famille blanche et un jeune serviteur noir ont tous deux disparu et que des rumeurs de sacrifice rituel commencent à se répandre. Tandis que dans Voodoo Serenade, Stefano Casini retrouve quant à lui son personnage de Nero Maccanti, après ses démêlés cubains racontés dans la série Hasta la victoria : reconverti en promeneur de touristes au large d'Haïti dans les années 60, Nero va avoir, malgré lui, à se frotter aux "Tontons Macoutes" de la dictature duvalieriste.

Deux époques et deux lieux différents, donc, dans lesquels le vaudou n'occupe d'ailleurs pas la même place, ne représente pas le même enjeu. Dans Holly Ann, il est regardé d'un mauvais œil par les autorités, et, de façon générale, la classe dominante. Qu'une Blanche, riche propriétaire terrienne, se mêle aux cérémonies se révèlera d'ailleurs une inconvenance aux lourdes conséquences. Si le vaudou reste un culte populaire dans l'Haïti de "Papa Doc" Duvalier, la situation y est néanmoins tout à fait différente puisque le dictateur utilisa cette religion pour consolider son pouvoir, non seulement en en ranimant la tradition, mais en se faisant passer lui-même pour un puissant houngan (chef spirituel), allant jusqu'à modeler son image sur celle du Baron Samedi, l'esprit de la mort. 

Voodoo Serenade raconte donc en partie une lutte entre deux groupes (pouvoir autoritaire et résistance) au nom d'un même culte dont chacun entend détenir la "vérité" - jeu au milieu duquel va se retrouver pris Nero Maccanti, venu de l'extérieur, géographiquement et culturellement, ne voyant là que superstitions, mais qui sera le témoin et l'acteur d'étranges évènements, pris entre les menaces des Tontons Macoutes, les promesses d'une prêtresse populaire qui dit voir en lui une incarnation de l'esprit Damballà, et un couple de faux touristes suisses à la recherche d'un ancien savant nazi en cavale, ayant trouvé l'abri d'une autre dictature pour continuer ses peu éthiques expérimentations.

On se prend à trouver en Nero un peu de Corto Maltese (celui de "Vaudou pour monsieur le président", évidemment, dans l'album Toujours un peu plus loin), comme un air de famille dans ce bourlingueur mi-cynique mi-romantique navigant aux lisières entre une Histoire réaliste et son envers ésotérique (là où, par comparaison, le personnage de Holly Ann chez Toussaint et Servain, métisse parlant d'égale à égal, voire en supérieure, avec les propriétaires ou les policiers Blancs, dans le Sud des USA à la fin du XIXe siècle, demande... disons une certaine dose de "suspension de l'incrédulité" d'un point de vue historique). Stefano Casini évite toutefois heureusement le décalque, pour le scénario et plus encore pour le dessin (un trait réaliste légèrement caricatural, loin, pour le coup, d'Hugo Pratt), restant dans les limites de la familiarité sans tomber dans le pur pastiche à la manière, par exemple, d'un Viannello chez le même éditeur.

Dans Holly Ann, en revanche, le point de vue "extérieur" (autant dire celui du lecteur) est relayé par le personnage de Thomas Jofferdale, un écrivain débarquant à la Nouvelle Orléans et qui espère trouver en Ann une guide à même de l'initier aux mystères de la ville. À la différence de Nero chez Casini, héros de l'histoire et contraint de s'engager, Thomas reste un personnage secondaire (de passage, selon toute apparence, le temps d'un seul album) et un simple témoin. Et la leçon délivrée est en deux parties.

L'album s'ouvre une scène nocturne dans un cimetière, sous la pluie. Un toquement sourd émane de certaines tombes. "Le réveil des défunts" ? "La marche des morts-vivants" ? L'arrivée de la Faucheuse en personne, le signe annonciateur d'un tremblement de terre ? La réponse est plus rationnelle (quoique non moins lugubre), et Holly Ann d'avertir l'écrivain : "Vous entendrez beaucoup d'histoires farfelues à la Nouvelle Orléans. C'est quand vous commencerez à y croire aveuglément que vous serez perdu." En contrepoint toutefois, l'image donne une autre version, semblant bien projeter ces fantasmes dont l'héroïne prétend enseigner l'inanité. Scène inaugurale de l'album (quitte à faire ensuite revenir le récit quelques jours en arrière), cette séquence est manifestement programmatique, clé de lecture pour la suite de l'œuvre.

En apparence, donc, "La chèvre sans cornes" promène le lecteur - sous les traits de Jofferdale - tout à la fois à travers une enquête policière et à travers la ville, dans une démarche similaire de traversée des faux semblants. La Nouvelle Orléans et ses environs offrent évidemment toute une imagerie bien connue, notamment dès qu'on s'approche du domaine fantastique, tous médias confondus : qu'on songe, au cinéma, à des films comme Angel Heart d'Alan Parker, Vivre et laisser mourir où James Bond se frottait lui aussi au vaudou, ou encore, chez Disney, le récent La grenouille et la princesse ; aux romans d'Ann Rice comme Entretien avec un vampire ou la trilogie des sorcières Mayfair ; à des séries télé comme True Blood ou la troisième saison d'American Horror Story ; ce ne sont que quelques titres au milieu d'un océan, même en occultant les œuvres présentant une vision plus "réaliste" de la région, d'Un tramway nommé Désir à Treme. Et par bien des aspects, Holly Ann ne dévie guère d'un trajet bien balisé tant le récit enchaîne tous les passages attendus, des grandes plantations aux bayous en passant par les inévitables maisons closes de Storyville, l'obligatoire séquence ragtime, et bien sûr tous les éléments liés au vaudou. La (relative) touche d'originalité tient à la façon dont le récit articule, par la bouche de son héroïne, une dénonciation des artifices de ce décor, entre attrapes-touristes et charlatanismes, tout en ménageant par d'autres biais, un peu à la manière de cette première scène dans le cimetière, l'insinuation du surnaturel. Si ce dernier ne fait ouvertement irruption qu'à la toute fin de l'album, la scène aura été préparée assez subtilement par petites touches disséminées au fil de l'histoire (une relecture de l'album saura au besoin achever d'en convaincre).

L'ensemble est superbement servi par Servain. Le dessin de Holly Ann est assez "classique" dans le paysage franco-belge actuel, mais n'en est pas moins efficace et des plus appréciables, notamment dans sa capacité à créer des ambiances, que vient encore renforcer une très belle utilisation des couleurs. Sur ce point, d'ailleurs, on peut noter une autre différence avec Casini dont le travail à l'aquarelle sur Voodoo Serenade est tout en couleurs vives et tranchées, comme une traduction à l'image non seulement du cadre haïtien, mais également de la violence de l'histoire, plus marquée que celle de Toussaint et Servain.

Les deux albums ont pourtant aussi des similarités. Ainsi, bien qu'usant de moyens différents, on peut remarquer par exemple que dans chacun d'eux une pleine page, rompant avec les codes graphiques du reste de l'œuvre, est dévolue à une scène de transe lors d'une cérémonie vaudou : surdécoupage effréné et cadrages heurtés dans Holly Ann, comme au rythme des danses, ou, tout au contraire, montage d'images hallucinées se mêlant les unes aux autres en une seule dans Voodoo Serenade. Surtout, les deux albums amènent les lecteurs à l'orée du fantastique, sans donner dans une utilisation spectaculaire de celui-ci, ni livrer à ceux-là toutes les cartes pour lever le mystère, en laissant les personnages en proie au doute sur la nature explicable ou non de certains éléments dont ils ont été témoins ou acteurs.

Qu'en sera-t-il par la suite ? Aussi plaisant que soit le premier tome d'Holly Ann, il apparaît comme à peu près certain que les mêmes recettes ne pourront être appliquées pour le reste de la série : un prochain tome pourra moins se reposer sur la présentation de la Nouvelle Orléans (vu l'exploitation qui en a déjà été faite, comme dit plus haut), et devra plus mettre en avant l'héroïne, à la lumière de la révélation survenue à la toute fin de ce premier album. Quant à Nero Maccanti, l'auteur n'exclut pas de continuer à lui faire vivre différentes aventures, mais le fantastique était absent des quatre tomes d'Hasta la victoria, dont le cadre était la révolution cubaine, et rien ne dit que Casini se livrera à nouveau à ce genre de mélange. Mais dans tous les cas, voilà deux bonnes lectures qui en appellent d'autres à l'avenir, qu'on suivra sans doute avec autant d'intérêt.

Holly Ann, T.1 : La chèvre sans cornes
Scénario : Kid Toussaint.
Dessin : Servain.
Éditeur : Casterman.
Sortie : janvier 2015.

Voodoo Serenade
Scénario et dessin : Stefano Casini
Éditeur : Mosquito.
Sortie : février 2015.